Hace muchísimos años había un programa de televisión – Misterios sin resolver creo que se llamaba- encargado de sacar a la luz los enigmas de la historia de la humanidad que la Comisión Trilateral, el club Bilderberg  o los Illuminati, mediante sus tentáculos extendidos entre los mecanismos de poder internacionales, nos ocultan deliberadamente. Entre los temas más activos y recurrentes se encuentran el triángulo de las Bermudas, rebuscadas conspiraciones político-espaciales, áreas militares restringidas en desiertos de Nuevo México que custodian peligrosos secretos, nazis buscando el anillo de los nibelungos o la Atlántida en Tenerife y, por encima de todos ellos, el asunto rey de reyes: los proféticos finales del mundo narrados por Nostradamus o por quién sea. Como el tema es un bucle y contiene cierto atractivo aún a sabiendas de que todas estas teorías constituyen un batiburrillo tremendo, los programas actuales herederos de Misterios sin resolver logran elevadas cotas de audiencia y las revistas que todos conocemos –aquellas con portadas que recuerdan a los cuadros que se pintan a spray en Benidorm- siguen en los kioskos desde tiempos inmemoriales. Roland Emmerich debe estar al corriente de algo que los simples mortales desconocemos pues ya son numerosas sus internadas cinematográficas apocalípticas: The day after tomorrow (2004),  el cataclismo cercano 2012 (2009) sin olvidar otras en las que si bien los humanos no se extinguen sí que somos amenazados por horrores sobrenaturales -Godzilla (1998)- o peligrosos extraterrestres –Independence Day (1996)- que quieren reducirnos a cenizas. En 1994 el director alemán dirigió Stargate, una película de ciencia ficción muy discreta con producción y efectos especiales por todo lo alto que inscribe su argumento en otro de los pilares básicos de lo esotérico-conspirativo; la conexión entre civilizaciones antiguas y supuestos entes procedentes de lejanas galaxias que les ayudaron a construir monumentos enormes merced a sus inteligencias superiores y tras ello, abandonaron la Tierra para no regresar nunca más. Kurt Russell es un atormentado coronel del ejército estadounidense con peinado marcial Duke Nukem al que le encargan la extraña misión de descubrir si existen más mundos además del nuestro (¿?). Le acompaña en la misión James Spader (la pluma) interpretando a un egiptólogo que hace de contrapeso del personaje de Russell (la espada). Un puñado de soldados con nombres tan representativos de los Estados Unidos como Kawalski, Ferotti, Brown y Reilly (uno de ellos es negro) les acompañan en la peligrosa aventura. La cinta es absolutamente fácil en el peor de los sentidos y los nuevos mundos que retrata recuerdan más al popular Ganímedes, capital Raticulín tan repetido en los programas de telebasura de los noventa que a las –se supone- exóticas civilizaciones que pueblan las postrimerías de la Vía Láctea, la constelación Orión o vaya usted a saber.

Recuerdo la lluvia que era leche en una calle de plástico mientras todo se coagulaba.

Tenía la sensación de que esto se repetía constantemente.

El río de leche se mezcla con el naranja del vestido de ella.

Eso y un largo trayecto en bicicleta entre las casitas del pueblo costero japonés.

Siempre un ritual. El ritual como respuesta es infalible y me encanta.

“The chaser” es una película de Corea del Sur que mezclo con la Kawase por eso de las calles y recorrerlas descalzo. Como con sed de venganza y desesperación. Desesperación de sed.

Rudo.

El rollo ese de “capturar en la imagen esos momentos de verano de juegos en el pueblo” no va mucho conmigo porque pienso que son excusas superficiales. Pero sí que te dan calambres en el cerebro. El material del cine, como cine sucio, es el traductor del sentido de pérdida y muerte en la película de Kawase. Es el traductor pero no la traducción. La traducción es personal y el texto original inalcanzable. Es la mejor idea de comunicación aquella que se interrumpe y se queda trabada. Grabar lugares con la excusa de la humanidad en un cine de calma exhibida es el núcleo de “Sharasojyu”. Querer irse pero enfrentándose a lo terrenal y ser pretencioso con los misterios de la vida son características que veo en esta película. Tal cuál me enfrento al recorrido espacial como al sentimiento sideral en un juego de traducciones rotas. Una canalización a través de la ñoñería (palabra prohibida para mí) y del Alto Arte.

“10000 BC” es una de esas películas que mi madre clasificaría como “entretenidas”. Algo así como la versión Disney de “Apocalypto”. Y puede entretener, pero hay que perdonarle muchos fallos que en conjunto hacen que la cinta chirríe hasta el hartazgo, la mayoría de ellos unidos en su afán por restarle credibilidad al marco histórico en que se desarrolla. Para empezar, las decisiones de casting en lo referente a la tribu protagonista, los Yagahl, son desafortunadas. Su protagonista es el guapo neoyorkino de las películas de siempre, solo que con rastas, un poco bronceado y acompañado de un par de secundarios half-americans de ojos rasgados. Esto choca aún más cuando pones a estos actores a trabajar delante de cromas que se antojan muy evidentes y roza la función de marionetas cuando adviertes que algunas de las voces están dobladas al propio inglés; como las del pequeño Baku, que quiere convertirse en cazador pero se parece más a un personaje fallido del más mediocre de los “Final Fantasy”. Ni que decir de cuando nuestra tribu amiga se mezcla, tras unas lunas de marcha a pie, con otros grupos de tez más negruzca y armaduras de caña y huesos, que son bienvenidos por otorgar más color al film pero que suponen demasiado contraste como para hacernos creer que todo marcha bien. Luego está el tema de las imágenes generadas por ordenador, ese mal al que nos hemos acostumbrado a pesar de llevar casi veinte años soñando con mecánicos como los de Jurassic Park, pero que pese a todo, suponen las partes más emocionantes e imaginativas del film, sin contar la contienda final en la que por fin se puede intuir algo de la sangre y crudeza que corresponderían a la época en la que nos encontramos. Pero si algo me ha sorprendido de esta película, y ojo, que aquí viene un spoiler de los gordos, es que los mamuts ayudaron a la construcción de las pirámides. Por un momento llegué a pensar que tal vez detrás de toda esta orquesta del mal estuviera Benjamin Linus ondeando con brutalidad la batuta que tantos pesares estaba llevando a los Yagahl y sus amigos, y aunque a pesar de que al desenlace no podamos reprocharle nada, pues es adecuado en tono y resolución, hubiese justificado muchas de las incongruencias por las que a los historiadores de pro y detractores de Iker Jiménez tanto les gusta batallar.

Ruidos
ta ta tarara ta ta
piu pui
eeeeeeeeeeeeeeeeee

Luces brillantes, que dan fogonazos, que parpadean, que brillan en el espacio lleno de naves, pequeñas y una grande. Parece que todo acaba y todos huyen, pero algun héroe siempre hay porque estos extraterrestres sólo quieren matar y alguien lo tiene que solucionar:

Will Smith y Jeff Goldblum.

Familias que se rompen, niños, desiertos, caravanas, un acontecimiento mundial, una cuenta atrás, fuego, ciudades destruidas, abrazos, persecuciones en el aire, un perro, dos chicas y dos chicos, armas, el ejército, USA

…..no estamos solos!

Cuando mi buen amigo Jorge me dijo que el siguiente número de FV trataría de las pelis de Roland Emmerich, me froté las manos pensando “bien! hay ahí tema para escribir una buena crítica llena de bilis y mala baba…” No leí la letra pequeña donde decía que me podía tocar una peli de Naomi KAWASE…

La verdad es que la película, a primera vista, parece un truño infumable, y efectivamente LO ES. Es uno de esos rollos emocionales e intimistas, capaces de aburrir al mismísimo PUNSET.

O por lo menos, es el tipo de película que yo no vería voluntariamente jamás bajo ningún concepto.

Está dirigida por Naomi KAWASE, una directora japonesa que ha desarrollado su carrera principalmente en el género documental, y protagonizada por Kyoko Hasegawa, a la que pudimos ver en “Three… extremes” (Fruit Chan, Park Chan-Wook, Takashi Miike, 2004)

La historia cuenta cómo una joven mujer japonesa, no tengo ni idea de porqué, abandona su vida anterior y se va a Thailandia, donde no conoce el idioma y no puede comunicarse con nadie.

Así que, después de aguantar casi 30 minutos viendo este rollazo de película en la que no sucede nada interesante, he decidido aprovechar lo que queda de esta tarde fría de domingo y me voy a ver “Drive”…

Un saludo

Luchas de tricornios y épicas de connotaciones patrióticas.

Y claro, chaquetas multicolores.

Partiendo de la duda sobre cuál debiera ser la mirada postcolonial que digiera la inevitable comparación de lo político-social y como conjugar esto con la ficcionada historización de Emmerich, resulta inevitablemente mejor partir de la idea que escribió el historiador David Hackett-Fisher: “The Patriot is to history as Godzilla was to biology“, algo así como que el Patriota es a la historia lo que Godzilla es a la biología. Con ello nos libraríamos del desafortunado peso de la realidad, entre otras cosas disfrazada en “The Patriot” para asumir la corrección política de los años 90 _donde imperaba la representación ficcionada en pro de lo que debiera ser (lo políticamente correcto), mediado en la performatividad de lo historiado, es decir: la no-esclavitud, mujeres del s.XVIII como ciudadanas de primera con presencia y opinión, etc… _ . Quedando en última instancia la violencia como único factor no demagogizado o edulcorado. Curiosa necesidad de sinopsis proveniente de la expectación de cierto público. En “El Patriota“, aunque algo así como a modo excepcional, se sigue incluyendo la guerra y los conflictos internacionales entre los imperios Inglés y Francés, la presencia de los colonos americanos, nativo-americanos colonizados, y el pueblo negro tanto esclavizado como ciudadanos ya “liberados”, mostrándose los conflictos internos e internacionales que configuraron el contexto de la creación de los Estados Unidos. Es evidente que la reducción de los parámetros de especificidad del caso representado y la expansión a la generalidad, era con ánimo de captar un público más general, de perfil mucho más internacional, y que conllevaba simplificar los discursos argumentales de lo específico para desarrollar argumentos y sinopsis donde el contexto político-social y económico que pudiera quedar lejos del interés de la masa fuera sustituido por un argumento susceptible de ser asumido como propio a un nivel básico, con el fin de ser una película exitosa en taquilla.

La extraña magia de Roland Emmerich es que proyecta a modo peculiar, o tal vez característico, el amor al “Heimat” (patria en alemán) de tierras americanas y que en esencia pone en imagen el discurso del patriotismo americano proyectado desde la perspectiva de un emigrante germano. Ya en “Independence Day” se abrazan claramente los mitos de la fundación de America aunque traducidos a un escenario de ciencia ficción.

Mientras veía “The Patriot” sentía la obligación, aunque con distancia, de tener que colocarme frente a la épica de la batalla, la defensa de la milicia y del patriotismo álgido en lucha y pro de la formación de una nación, que independientemente de cuan rápido se transformara de colonia a un imperio emergente, es puro esencialismo atávico (del lado que fuera) que siempre me produce estupores y alergias.

El viento meciendo las hojas de los árboles, una gota de agua cayendo en el agua, las ondas desapareciendo lentamente… lentamente… len… ta… men… te…

Me acomodo en el sofá, ¡esto va a ser largo! Largo en el buen sentido para el que guste de una película que relata casi a tiempo real las sensaciones y peripecias introspectivas de los protagonistas, y en el mal sentido para los que disfrutan con “2012” – en el peor de los casos – o cualquier otra película con ritmo, digamos, más dinámico. Estos últimos en el minuto 2, echarán la mejor siesta de su vida.

Los planos, la cadencia, la música, la fotografía, la historia: en conjunto es una maravilla estética. Está todo cuidado al milímetro para que sea un film bonito, de autor, de los que se recomiendan para quedar bien en una reunión de hipsters. Es una película contemplativa, que relata las vivencias de dos personajes en principio dispares, pero que a medida que se va conociendo más de ellos, de sus traumas y sus tormentos, comprendemos y comprenden que se complementan, y consiguen superar sus terrores alcanzando, podría decirse, la felicidad plena. Todo esto, eso sí, salpicado de enseñanzas budistas y metáforas espirituales.

Ahora bien, todos los puntos positivos que voy enumerando leídos en voz alta se convierten, por una extraña razón, en puntos negativos. Por un motivo que no soy capaz de comprender en este momento, me parece todo muy falso, un intento de querer epatar, dar la sensación de que la directora ha desnudado su alma cuando en realidad sólo ha buscado una estética determinada que funcione en circuitos comerciales europeos como “película independiente”, tal como hacen Sofia Coppola o Isabel Coixet.

Por otro lado, sí consigue transmitir muchas sensaciones: tristeza, alegría, sopor, nerviosismo, estupor… Cosa que es de agradecer y no todas las películas lo consiguen. Incluso me ha hecho plantearme si quizás tengo la mente perversa, porque en ocasiones pensaba que el abuelete y la cuidadora iban a compartir algo más que experiencias espirituales. Pero, no voy a ir por esos derroteros, así que como conclusión diré que les recomiendo encarecidamente que juzguen ustedes mismos. Da para debatir.

Estación lunar 44 es un film alemán occidental de bajo presupuesto realizado en 1990 por quien, en el futuro, acabaría por ser considerado uno de los directores más taquilleros del género. Lanzado directamente a vídeo ha acabado por convertirse con el tiempo en un film de culto.

El cine de Roland Emmerich, en la medida que permanece fiel a los postulados de la serie B o el pulp, es medianamente visible. Su visión del mundo, de un esquematismo patético pero muy popular en ciertos ambientes USA, no aporta cuando se hace presente otra cosa que motivos de risión.

Confieso que cuando las vi, en el momento de su estreno, me gustó Soldado universal (1992, USA) y que Independence Day (1996, USA), en cambio, me pareció absolutamente detestable. No es Moon 44, perteneciente a su etapa europea, la peor que ha perpetrado. Eso ha venido después, de la mano de sus mayores éxitos en la patria de Spielberg o de la factoría Disney.

Stone (Michael Paré), agente de Asuntos Internos de un consorcio minero espacial, es infiltrado en una lejana luna con la finalidad de averiguar y neutralizar a los responsables de la desaparición de cargueros enteros de un valioso mineral. Las defensas de la base, articuladas de modo simbiótico para el combate, están a cargo de una combinación de adolescentes, que se ocupan de la parte cibernética, y de pilotos militares. El papel de estos últimos lo desempeñarán, por problemas presupuestarios, convictos entre los que se ha camuflado nuestro héroe. Los conflictos psicosexuales entre los adolescentes y los brutales recién llegados se convierten en lo más interesante y llevadero del film, por lo demás intensamente gay, con interpretaciones destacadas, algunas sobresalientes, de los jóvenes. Destacan: por parte adolescente Stephen Geoffrey, en su papel de drug pusher, y entre los mayores un incombustible veterano como Leon Rippy.

Oscura, con una iluminación que nos recuerda a Alien o Blade Runner, con un guión no demasiado imaginativo (por decirlo de alguna manera) consigue mantener el interés del espectador gracias como hemos señalado a elementos procedentes del cinema teen. Las escenas de batallas aéreas contra naves robot son ineficaces e ingenuas, de corte marcadamente televisivo y Malcolm MacDowell está claramente desaprovechado, pasando sin pena ni gloria por la pantalla, lo cual da cuenta de los límites de Emmerich como cineasta. La presencia de un plantel de estrellas, muy frecuentes en el cine de género, acaba salvando la situación. Es decir: no la apagamos a la media hora, aunque sentimos la tentación de hacerlo. Lo mejor se encuentra, antes del previsible final, en la parte central de la película.

Gana con el tiempo porque el cine de género norteamericano se vuelve cada día más infecto. En gran medida gracias al nicotínico Emmerich.

Ver esta película con ojo crítico puede ser una tarea difícil… o no. En internet se le ha castigado con una nota que ronda sin esperanza de grandes alteraciones el aprobado justo. Pero, ¿por qué un clásico no iba a obtener el reconocimiento que se merece? Por algo tan pueril como una falta de sinceridad con el cine. Existen dos maneras de enfrentarse a este filme, la que hace una batida por todos los disparates argumentales y aniquila esa ilusión que proporciona cualquier blockbuster dominguero de la que todo el mundo ha disfrutado alguna vez. Y la otra cara, que es la del visionado despreocupado. Ésta es la visión inocente con la que se debe recibir, una visión pura y adolescente que absuelve de todo pecado cometido durante su consumo al que llega a los créditos, solamente si desde el minuto uno ha decidido disfrutar del placer que otorga el petardo por el petardo. Así que seamos sinceros; como narración audiovisual no vale demasiado, pero como película de su género, sin pretensiones de estatuilla y con todos los tópicos cumplidos, es una obra maestra.

El público de entonces respondió como es debido, y su estreno, además de dejar unas recaudaciones más que generosas, suscitó un creciente interés por ese apuesto soldado belga. Y es que esta fue la cinta que colocó a Van Damme en la más alta esfera del cine de acción noventero. Emmerich encontró en él su mejor carta para luchar contra Schwarzenegger en la batalla por el héroe de acción del momento. Un joven musculado, con un toque exótico y unas caderas que volvían locas a las nenas desde el legendario momento dancefloor en “Kickboxer”. Con el gallo de pelea preparado, se confeccionó un personaje con un guión que seguía (de manera quizás evidente) el patrón de “Terminator”, pero que no dejaría lugar a error. Semblante imperturbable y frases contundentes, nada con lo que brillar dramáticamente, pero una excusa perfecta para fosforescer a base de patadas giratorias. Con “Soldado Universal” había nacido una leyenda.

Nuestro protagonista se desenvuelve sin despeinarse por un escenario de caos desatado a causa de un tropiezo de las fuerzas militares yanquis. Una crítica a la violencia de las atrocidades cometidas en Vietnam que se cura con pólvora y látex, pero al igual que en la sociedad norteamericana, ¿a quien le importa un poco de enajenación de excombatiente a estas alturas de la película? Estáis perdonados, ya seáis psicópatas veteranos o fans de la pirotecnia desmesurada y el humor necio, ¿qué culpa tenéis vosotros de tener los sesos pastosos de tanto patriotismo armado? Seguid disfrutando de la acción frenética y la munición ilimitada, y con más orgullo aún si lleva la firma de esta genuina década.

Esconderlo todo. Esconder al Poderoso. Después de una iglesia. Pero, ¿y si no era una iglesia? Al final el hombre de negro también tenía karma que pagar. El karma se paga. Las cuentas se saldan. El pequeño Bob vuelve al escenario, todo vuelve a ser como antes. Es la luz que les persigue. Paulino decía que las películas de Bresson no eran precisamente baratas. Ellos están limpios. `No me llames señor´.